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June 2, 2020

Concrete Celebrates Earth Day - Paul Chadwick, Charles Vess & Moebius

I should have probably reviewed this very special one-shot in April, but I only got a chance to read it this week. Although now Earth Day is probably in everyone’s radar, I don’t think it was such a prominent date 30 years ago, which makes this comic even more meaningful. In addition to the 5 stories included in this one-shot, Paul Chadwick, the creator of Concrete, also includes tips about how to protect the environment as well as information about publications of ecologic interest.

In January, when the world was still normal and the word quarantine wasn’t part of our daily life, I went to Chicago, and after walking through Millennium Park I stopped at Graham Crackers Comics and spent an hour or two going through their back-issue bins. I found this issue and decided to buy it immediately, just the cover alone was a good reason to get it, but taking a look at the talented creators involved made it even more tempting, and it was only a dollar anyway (that’s what I love about back issue bins, they’re full of affordable surprises). 

Paul Chadwick’s beautiful cover sets the stones for these contemplative stories that deal with threats to the environment and other ecological concerns. Chadwick writes, pencils and inks “Like Disneyland Only Toxic”, while Lovern Kindzierski colors it. In this strongly political tale, Concrete is preparing to give a speech about the importance of ecology, and he goes against the mindset of the typical American who celebrates exacerbated consumerism and cares little about recycling and saving energy. There is even one particular moment in which Concrete criticizes the US intervention in different countries, and in one of the caption boxes, the narrator reminds us that despite all his good intentions, Concrete is still an American and he’s forgetting to mention other examples of US intervention abroad. This metatextual game adds complexity to an already audacious story that wasn’t designed to merely entertain but rather to foster reflection and critical thinking. 
Paul Chadwick
Based on Henry David Thoreau’s texts, “Earth Streams” is a collection of images wonderfully done by legendary artist Charles Vess. Every one of them is exquisite and gorgeous, and adds their own visual narrative to the rich texts provided by Thoreau. I’m including here the first page of the story, in which everyone can admire the beauty of nature. The second one is poetic and melancholic at the same time, Vess is such a talented artist that he needs only one page to tell a full story, and this particular page works wonderfully with or without text.

Considered by many as the indisputable genius of the comic book medium, French artist Jean Giraud, AKA Moebius, creates a set of unique and impressive pages in which movement, harmony, dynamism and emotion are present in every panel. In “The Still Planet” Moebius writes and draws a fantastic story about two friends who visit a planet that has poisoned itself and is now dead, or so it seems, thanks to their meddling, plants start growing again and an entire alien race is reborn. It’s always fascinating to see Moebius collaborating for an American publisher, as he had previously done for Marvel in Silver Surfer: Parable
Charles Vess
In Paul Chadwick’s “A Billion Conscious Acts” we get to see some of the ways in which our society has damaged the environment, but perhaps the most complex one is Chadwick’s “Stay Tuned for Pearl Harbor”, two stories that develop simultaneously, the first one is Concrete being a political activist and pointing out the multiple ways in which the US could change to prevent global warming, while the second one is one of Concrete’s colleague fantasizing with the possibility of being alive as a different species, with different senses and perceptions, which would allow for a better understanding of the effects of contamination in our world. It’s been 8 years since I reviewed Concrete: Three Uneasy Pieces and I’m glad I decided to revisit Chadwick’s greatest creation. 
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Probablemente debería haber revisado este número especial en abril, pero recién tuve la oportunidad de leerlo esta semana. Aunque ahora el Día de la Tierra probablemente esté en el radar de todos, no creo que haya sido una fecha tan destacada hace 30 años, lo que hace que este cómic sea aún más significativo. Además de las 5 historias incluidas en este one-shot, Paul Chadwick, el creador de Concrete, también incluye consejos sobre cómo proteger el medio ambiente, así como información sobre publicaciones de interés ecológico.
Charles Vess
En enero, cuando el mundo todavía era normal y la palabra cuarentena no era parte de nuestra vida diaria, fui a Chicago, y después de caminar por Millennium Park me detuve en Graham Crackers Comics y pasé una o dos horas recorriendo su la tienda. Encontré este cómic y decidí comprarlo de inmediato, solamente la portada ya era una buena razón para obtenerlo, pero al echar un vistazo a los talentosos creadores involucrados la tentación fue mayor, y de todos modos estaba a apenas un dólar (eso es lo que me encanta de las cajas con back issues, están llenas de sorpresas asequibles).

La hermosa portada de Paul Chadwick sienta las bases para estas historias contemplativas que abordan las amenazas al medio ambiente y otras preocupaciones ecológicas. Chadwick escribe, dibuja y entinta "Como Disneyland sólo tóxico", mientras que Lovern Kindzierski colorea. En esta historia fuertemente política, Concrete se está preparando para dar un discurso sobre la importancia de la ecología, y va en contra de la mentalidad del estadounidense típico que celebra el consumismo exacerbado y le importa poco el reciclaje y el ahorro de energía. Incluso hay un momento particular en el que Concrete critica la intervención de Estados Unidos en diferentes países, y en uno de los cuadros de texto, el narrador nos recuerda que a pesar de todas sus buenas intenciones, Concrete sigue siendo estadounidense y se olvida de mencionar otros ejemplos de intervención de Estados Unidos en el extranjero. Este juego metatextual agrega complejidad a una historia ya de por sí audaz que no fue diseñada simplemente para entretener sino para fomentar la reflexión y el pensamiento crítico.
Moebius
Basado en los textos de Henry David Thoreau, "Corrientes de la Tierra" es una colección de imágenes maravillosamente realizadas por el legendario artista Charles Vess. Cada una de ellas es exquisita y hermosa, y agrega su propia narrativa visual a los ricos textos proporcionados por Thoreau. Incluyo aquí la primera página de la historia, en la que todos pueden admirar la belleza de la naturaleza. La segunda es poética y melancólica al mismo tiempo, Vess es un artista tan talentoso que sólo necesita una página para contar una historia completa, y esta página en particular funciona maravillosamente con o sin texto.

Considerado por muchos como el genio indiscutible del noveno arte, el artista francés Jean Giraud, también conocido como Moebius, crea un conjunto de páginas únicas e impresionantes en las que el movimiento, la armonía, el dinamismo y la emoción están presentes en cada viñeta. En "El planeta quieto", Moebius escribe y dibuja una historia fantástica sobre dos amigos que visitan un planeta envenenado que ahora está muerto, o eso parece, gracias a su intromisión, las plantas comienzan a crecer nuevamente y renace una raza alienígena entera. Siempre es fascinante ver a Moebius colaborando para una editorial estadounidense, como lo había hecho anteriormente para Marvel en Silver Surfer: Parable.
Moebius
En "Un billón de actos de consciencia", de Paul Chadwick, vemos algunas de las formas en que nuestra sociedad ha dañado el medio ambiente, pero quizás una historia más compleja sería "Permaneced sintonizados para Pearl Harbor" de Chadwick, dos historias que se desarrollan simultáneamente, la primera es sobre Concrete, quien como activista político señala las múltiples formas en que Estados Unidos podría cambiar para evitar el calentamiento global, mientras que la segundo es sobre uno de los colegas de Concrete que fantasea con la posibilidad de vivir como una especie diferente, con diferentes sentidos y percepciones, lo que permitiría una mejor comprensión de los efectos de la contaminación en nuestro mundo. Han pasado 8 años desde que revisé Concrete: Three Uneasy Pieces y me alegro de haber decidido volver a visitar la gran creación de Chadwick.

December 7, 2015

The Puma Blues - Stephen Murphy & Michael Zulli

Life isn’t easy. I think we all know that. And especially for creators, life can be quite difficult. There are no rules written in stone when it comes to creativity, no lifesavers and certainly no guarantees. You create whatever it is that you create –art, novels, comics, songs, films– and you hope, with all your heart, that someone out there will pay attention to it.

So, if you were interested in having a career in the comics industry, in the 80s, you probably had two alternatives ahead of you: either doing superhero comics for DC or doing the same for Marvel. But you should never underestimate creative individuals because they’ll always find new possibilities, new outlets for their creations… just like Dave Sim did, when he decided to self-publish his magnum opus “Cerebus”. In 1985, Dave Sim met Stephen Murphy and Michael Zulli. Despite their inexperience, Sim immediately recognized their talent. And looking at the first pages of The Puma Blues, I don’t think any reasonable editor would have rejected Zulli’s art. In his foreword, Dave Sim explains why he was so interested in Michael Zulli: “Michael’s style was heavily influenced by Barry Windsor-Smith, but it was a really unique, pen-dominant take on BWS. And it was ‘current BWS’. Like me, Michael obviously thought BWS got better and better the further along he went”. 

Zulli was also the main reason behind my decision for purchasing Dover’s omnibus edition, a deluxe hardcover with almost 600 pages of the most spectacular and beautiful art I’ve seen in a long time. I respect Zulli as an artist, I always have. Having read about his life and his decisions, I know he is one of the very few artists that will sacrifice the certainty of a monthly paycheck in order to preserve the integrity of his vision. So it makes perfect sense that he would put so much energy and effort into The Puma Blues, a very experimental project, and a most decidedly noncommercial venture. 
Gavia Immer

Indeed, Dave Sim explains that “The whole exercise from Day One was an experiment in ethical conduct on the uneasy borderline between art and commerce”. In the first chapters of The Puma Blues (originally published in single issues by Aardvark One International / Aardvark-Vanaheim, starting in 1986), Murphy and Zulli boldly defied established rules of narrative, discarding the classic cliffhangers or the usual plot developments. 

In many ways, The Puma Blues is similar to Michael Zulli’s brilliant graphic novel Fracture of the Universal Boy. Both works are an example of artistic commitment; and as experimental as they might be, they open new frontiers, while teaching us the importance of being faithful to our vision. As an independent creator, I should say that The Puma Blues is also an inspiration, it’s tangible evidence that sometimes we can do the things we want to do the most and, above all, that we can survive in this world without succumbing to the pressure of being financially viable, whatever that means. 

In the epilogue, Stephen R. Bissette highlights the connections between autobiography and fiction. Gavia Immer, the protagonist, is a confused young man who is trying to come to terms with the world around him. “Twenty-one years of age and I hadn’t the least insight into what the fuck I wanted to do with my life”, affirms Gavia. A statement many of us could relate to. Personally, I know I was a bit lost when I was 21, and although it was clear to me that comics were my greatest passion, I wasn’t sure if I’d be able to make a living as a writer (even today I’m still unsure about it).
Brooklyn
Deeply contemplative and evocative, this ambitious comic series focuses on ecological concerns, but at the same time it deals with the problems of perception and the rules of reality. We can find some captivating ideas coming out from Gavia’s mouth: “I emerged with the understanding that nature is incapable of lying”. Furthermore, the greenhouse effect and the subsequent extinction of countless animal species is a preoccupation of both the authors and the protagonists. “And together we’re begging to be heard because this is our world. And this is our only time upon it”. Certainly, in The Puma Blues we can find a combination of philosophical and existentialist approaches, complemented by politics, religion and even references to psychoanalysis and Jung’s collective unconscious. 
Human science versus nature / ciencia humana versus naturaleza
“We had intervened deeply into the process of nature without attaining the full knowledge of all of nature’s dimensions: its nuanced syntheses, fragile interdependencies and living narratives”, expresses Gavia. The complexity of nature is magnificently portrayed by Zulli throughout the series and there are also two silent chapters exclusively centered on the aforementioned “living narratives”. For over 40 pages, no word is uttered, and yet the pages are intense and breathtakingly gorgeous (there is an entire chapter focusing on the puma, his hunting habits and the fauna around him, only the sounds of nature can be heard in this atypical tale). Zulli has the ability to perfectly recreate any human or animal, thus proving that even a wordless script can be eloquent if the art makes it work. Zulli never takes the easy way out. Every artistic choice he makes is a conscious decision that implies additional work and effort. For instance, instead of reusing drawings in certain scenes (a practice all too common for pencilers of the digital era) he reinterprets and re-elaborates the same image. 
the beauty of nature / la belleza de lo natural

According to Bissette’s afterword “Puma Blues was an idiosyncratic, singular work. Michael’s rich, illustrative art and strong sense of visual narrative composition and momentum complemented Steve’s grave, often enigmatic, scripts perfectly”. It’s amazing to observe how quickly Zulli evolved as an artist, although his style is consistent since the beginning, we can identify the moments in which his lush brushwork becomes even more refined and stunning. “1986-88 was a different era. We were, many of us, very different people, some of us at the peak of our game in terms of creating comics […] We were all younger men then, and full of ideals, and hungry in ways that only young creative people know that peculiar hunger”. There was a need to break boundaries, an urge to go to places forbidden by mainstream publishers. All this is more than evident in the pages of The Puma Blues. 

“Puma Blues flew so steadily beneath the pop cultural radar, consigned to that strange limbo in which so many visionary works malinger in”, elucidates Bissette. Just like Gaiman said once, being a writer is often like being a castaway, marooned in an island, sending messages in bottles waiting to hear back from some anonymous reader, anyone, who might have found the bottle, opened it and read its content. At least, that’s the way all writers begin. And I can definitely relate to that. 

The Puma Blues series was suspended before Murphy could write a proper ending. Luckily for us, almost 30 years later, Murphy and Zulli at last had the chance to finish their odyssey. In the coda, Gavia Immer grows old and suffers the consequences of contamination. An old activist, now he can barely keep up with the losses of nature. In the final chapter, Murphy relies on the impact of real information. A list of disappeared animal species, ecological catastrophes, environmental facts. This apparent neutrality makes it even more shocking for the reader. The heartbreaking ending reminded me of Imre Kertész novel “Fatelessness”, for its succinctness and verisimilitude.

Finally, this volume also includes “Act of Faith”, a short story written by Alan Moore and illustrated by Stephen R. Bissette. In the words of Bissette, it’s “Alan’s powerful meditations on the natures of sex and love in their most primal forms”. An extraordinary and very dramatic –and quite erotic– story that takes place in only 4 pages. It is my sincere hope that, after so many years, a new generation of readers will be interested in picking up The Puma Blues. It’s the kind of honest, mature and intelligent work that only the best storytellers could accomplish, in this or any other artistic medium.
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La vida no es fácil. Eso es algo que todos sabemos. Y especialmente para los creadores, la vida puede ser bastante difícil. No hay reglas talladas en piedra que aborden la creatividad, no hay salvavidas y, ciertamente, no hay garantías. Crearás lo que sea que vayas a crear -arte, novelas, cómics, canciones, películas- y esperarás, con todo tu corazón, que alguien por ahí te preste atención.
Running away from death / escapando de la muerte

Entonces, si hubiesen estado interesados en una carrera en la industria del cómic, en los 80s, es probable que tuvieran dos alternativas: hacer cómics de superhéroes en DC o hacer lo mismo en Marvel. Pero nunca deberíamos subestimar a los individuos creativos porque siempre encontrarán nuevas posibilidades, nuevas formas de expresar sus ideas... como hizo Dave Sim, cuando decidió auto-publicar “Cerebus”, su magnum opus. En 1985, Dave Sim se reunió con Stephen Murphy y Michael Zulli. A pesar de la inexperiencia, Sim reconoció inmediatamente el talento de ambos. Y mirando las primeras páginas de “The Puma Blues”, no creo que ningún editor razonable hubiese rechazado el arte de Zulli. En su prólogo, Dave Sim explica por qué estaba tan interesado en Michael Zulli: “El estilo de Michael estaba fuertemente influenciado por Barry Windsor-Smith, pero era un enfoque realmente único sobre BWS, en el que dominaba la pluma. Y era 'BWS actual'. Al igual que yo, Michael obviamente pensaba que BWS mejoraba y seguía mejorando cuanto más avanzaba”.

Zulli fue también la razón principal detrás de mi decisión para adquirir la edición ómnibus de Dover, un lujoso tomo en tapa dura con casi 600 páginas del arte más espectacular y hermoso que he visto en mucho tiempo. Respeto a Zulli como artista, siempre lo he hecho. Después de leer sobre su vida y sus decisiones, sé que él es uno de los pocos artistas que sacrificaría la certeza de un cheque mensual con el fin de preservar la integridad de su visión. Así que tiene sentido que pusiese tanta energía y esfuerzo en “The Puma Blues”, un proyecto muy experimental, y una aventura decididamente no comercial.

De hecho, Dave Sim explica que "Todo el proceso desde el primer día fue un experimento en cuanto a la conducta ética en la frontera inestable entre arte y comercio". En los primeros capítulos de “The Puma Blues” (publicado originalmente por Aardvark One International / Aardvark-Vanaheim, a partir de 1986), Murphy y Zulli desafiaron valientemente las reglas establecidas de la narrativa, descartando los dramas habituales o el desarrollo tradicional de la trama. 
the power of sex / el poder del sexo

En más de un sentido, “The Puma Blues” es similar a otra brillante novela gráfica de Michael Zulli Fracture of the Universal Boy. Ambas obras son un ejemplo de compromiso artístico; y al ser experimentales, nos abren nuevas fronteras, al tiempo que nos enseñan la importancia de ser fieles a nuestra visión. Como creador independiente, debo decir que “The Puma Blues” es también una fuente de inspiración, es la evidencia tangible de que a veces podemos hacer las cosas que más deseamos y, sobre todo, que podemos sobrevivir en este mundo sin sucumbir a la presión de ser financieramente viables.

En el epílogo, Stephen R. Bissette destaca las conexiones entre la autobiografía y la ficción. Gavia Immer, el protagonista, es un joven confundido que está lidiando con el mundo que lo rodea. “Veintiún años de edad y yo no tenía la menor idea de qué coño quería hacer con mi vida”, afirma Gavia. Una declaración con la que muchos de nosotros podríamos identificarnos. Personalmente, sé que yo estaba un poco perdido cuando tenía 21 años, y aunque era claro para mí que los cómics eran mi más grande pasión, no estaba seguro de poder ganarme la vida como escritor (incluso hoy aún no estoy seguro de ello). 

Profundamente contemplativa y evocadora, esta ambiciosa serie se centra en preocupaciones ecológicas, pero al mismo tiempo se ocupa de los problemas de la percepción y las reglas de la realidad. Podemos encontrar algunas ideas cautivantes que salen de la boca de Gavia: “Emergí con el entendimiento de que la naturaleza es incapaz de mentir”. Por otra parte, el efecto invernadero y la posterior extinción de incontables especies de animales es una preocupación tanto para los autores como para los protagonistas. “Y juntos estamos pidiendo ser oídos ya que este es nuestro mundo. Y esta es la única existencia que tenemos”. Ciertamente, en “The Puma Blues” podemos encontrar una combinación de enfoques filosóficos y existenciales, complementados con política, religión e incluso referencias al psicoanálisis y al inconsciente colectivo de Jung.
Homage to Leonardo Da Vinci / homenaje a Leonardo Da Vinci

“Habíamos intervenido profundamente en el proceso de la naturaleza sin alcanzar un pleno conocimiento de todas las dimensiones de lo natural: sus matizadas síntesis, sus frágiles interdependencias y sus narrativas vivientes”, expresa Gavia. La complejidad de la naturaleza está magníficamente retratada por Zulli a lo largo de la serie y también hay dos capítulos silenciosos centrados exclusivamente en esa “narrativa viviente”. Por más de 40 páginas, ninguna palabra es pronunciada, y sin embargo, las páginas son intensas e impresionantemente hermosas (hay todo un capítulo centrado en el puma, sus hábitos de caza y la fauna a su alrededor, sólo los sonidos de la naturaleza pueden ser escuchados en este atípico relato). Zulli tiene la capacidad para recrear perfectamente cualquier ser humano o animal, lo que demuestra que incluso un guión sin palabras puede ser elocuente siempre y cuando el arte sea capaz de lograr el efecto deseado. Zulli nunca toma el camino más fácil. Cada elección artística que hace es una decisión consciente que implica trabajo y esfuerzo adicional. Por ejemplo, en lugar de reutilizar dibujos en ciertas escenas (una práctica muy común para los dibujantes de la era digital), él reinterpreta y re-elabora la misma imagen.

De acuerdo con el epílogo de Bissette “Puma Blues fue una obra singular, idiosincrática. El arte rico e ilustrativo de Michael y su fuerte sentido de la narrativa visual y la composición complementaban perfectamente los guiones graves, a menudo enigmáticos de Steve”. Es increíble observar lo rápido que Zulli evolucionó como artista, aunque su estilo es consistente desde el principio, podemos identificar los momentos en los que sus exuberantes pinceladas se volvieron aún más refinadas y sorprendentes. "1986-88 era una época diferente. Éramos, muchos de nosotros, personas muy diferentes, algunos de nosotros estábamos en la cima en términos de creación y cómics [...] Todos éramos hombres más jóvenes en ese entonces, y llenos de ideales, y hambrientos de una manera en la que sólo los jóvenes creativos podían conocer ese hambre peculiar”. Había una necesidad de romper los límites, un impulso de ir a los lugares prohibidos por las editoriales convencionales. Todo esto es más que evidente en las páginas de “The Puma Blues”.
4 Horsemen of the apocalypse / 4 jinetes del apocalipsis

“Puma Blues voló tranquilamente por debajo del radar cultural pop, quedando consignado a ese extraño limbo en el que tantos visionarios se quedan atascados”, aclara Bissette. Tal como Gaiman dijo alguna vez, ser un escritor es a menudo como ser un náufrago, abandonado en una isla, enviando mensajes en botellas esperando volver a escuchar de algún lector anónimo, cualquiera, que podría haber encontrado la botella, abriéndola y leyendo su contenido. Al menos, de esa manera comienzan todos los escritores. Y definitivamente puedo identificarme con ello.

La serie Puma Blues fue suspendida antes que Murphy pudiese escribir un final apropiado. Afortunadamente para nosotros, casi 30 años después, Murphy y Zulli por fin han tenido la oportunidad de terminar su odisea. En la coda, Gavia Immer envejece y sufre las consecuencias de la contaminación. Un viejo activista, ahora apenas puede mantenerse al día en relación a las pérdidas de la naturaleza. En el capítulo final, Murphy se apoya en el impacto de la información real. Una lista de especies animales desaparecidas, catástrofes ecológicas, datos ambientales. Esta aparente neutralidad es aún más impactante para el lector. El desgarrador final me recordó la novela de Imre Kertész “Sin destino”, por su concisión y verosimilitud.

Por último, este volumen también incluye “Acto de fe”, una historia corta escrita por Alan Moore e ilustrada por Stephen R. Bissette. En palabras de Bissette, estas son las “poderosas meditaciones de Alan sobre la naturaleza del sexo y el amor en sus formas más primitivas”. Una historia extraordinaria y muy dramática -y bastante erótica- que transcurre en sólo 4 páginas. Es mi sincera esperanza que, después de tantos años, una nueva generación de lectores podrá conocer a Puma Blues. Este es el tipo de trabajo honesto, maduro e inteligente que sólo los mejores narradores pueden lograr, en este o en cualquier otro medio artístico.

February 19, 2013

Saga of the Swamp Thing # 35, 36 & 37 - Moore, Bissette & Totleben



Stephen Bissette & John Totleben
Could you put a price to the life of your children? Can everything in this world be bought or sold? These quandaries are common in today’s society, and I imagine Alan Moore must have been musing about it before he sat down to write “The Nukeface Papers”, which was published in Saga of the Swamp Thing # 35 and 36 in April and May, 1985.

Everything begins in a peaceful afternoon. Abby is sleeping next to Swamp Thing, the trees are blossoming, the flowers are colorful and the only odd intruders are the newspaper pages that have been thrown away: “He watches the sheets of newsprint flap like huge moths, crippled by their own weight, hopping clumsily amongst the black trees. Their pages are full of obsolete tragedies and discarded faces; all the carefully logged hysteria of a world he no longer belongs to”. 


And then, a couple of miles away, an old man nicknamed Nukeface runs into a young runaway. Nukeface is clearly a homeless drunk, and he immediately starts drinking a strange glowing fluid while he talks about Pennsylvania and the way a certain company disposed of their nuclear wastes. Contamination is part of our life, but sometimes we forget how serious the consequences are, especially when corporative responsibility is a scarce virtue. There have been films –like Steven Soderbergh’s Erin Brokovich– that show the tremendous cruelty of certain companies that deliberately poisoned people with radioactivity and/or chemical substances. These companies were never held accountable for their acts, until the people started suing them for millions of dollars, in some cases –in the Erin Brokovich story– the people won, in other cases, they didn’t. Those are real life situations, but what Alan Moore does here is disguise the horror of corporative greed in an allegorical tale of death and putrefaction.


When Nukeface gives the young runaway a taste of his beverage, we understand what he has been drinking all along: nuclear wastes. Quickly, the young man starts decomposing until he dies. And Nukeface keeps searching for nuclear wastes. He knows the company is no longer disposing of them in Pennsylvania due to lawsuits, they’re now burying all of it into the swamps of Louisiana. When Swamp Thing runs into Nukeface, he’s contaminated by his radioactive body. If the Swamp Thing is a creature of nature, there can be nothing more lethal to him than contamination. And slowly but surely, he starts rotting. 



The conclusion of the story is told from the perspective of eight different characters. They all share what they know, as readers we can easily piece together the puzzle after we see what these men and women have gone through. This is an extraordinary narrative device that only a handful of writers would know how to use properly. Alan Moore shows why he is one of the best and most influential authors in recent decades by connecting the dots and adding an unmatched layer of complexity. There are moments of true horror in these pages, and in the end Nukeface remains at large. Nothing can deter him, not the people who died in their presence, nor the putrefied fauna. But perhaps the scariest part is that Nukeface is not the real monster. He’s the product of those who seek only profit and care not for life. The real monster is the company, but this time there are no lawsuits, no happy endings to speak of… only a final page that reunites dozens of newspaper clips (selected by Moore) that are testimonies of people who developed cancer as a result of radioactive or chemical exposure; they were victims, above all, of the indifference and ruthlessness of the companies who disposed of their thrash without worrying about the consequences. 

After such an intense story, one would think that Alan Moore would take it easy for an issue or two. But that’s not the case. On the contrary, “Growth Patterns” is the prelude of Swamp Thing’s most epic saga: American Gothic. And this issue also marks the first historical appea-rance of John Constantine, a British bloke, a chronic smoker, a dabbler in the mystic arts and a cold bastard that could outwit any sorcerer or demon on Earth. A few years later, John Constantine would be the protagonist of Hellblazer, a Vertigo title that lasted for over 25 years. These are his –not so much– humbling beginnings.
Nukeface / Cara-Nuclear

Stephen Bissette and John Totleben surprise us again with some of the most haunting images ever. Let’s take a look at the horror of human misery and the corporal decay of Nukeface, which is made evident in the putrid face of this alcoholic / addict to nuclear wastes. I saw this drawing for the first time over 14 years ago and I was marveled by the details and the overall design. This is a comic book page that I could never forget. Seeing the Swamp Thing melting in a pool of radioactive fluids is also a powerful moment. The body language and the physical attributes of the eight characters that narrate this story are carefully depicted by the creative team, Billy Hatcher is a good example of that. Finally, “Growth Patterns” counts with Rick Veitch as penciler and thanks to him we see a young John Constantine and his lover Emma who is drawing an invunche, a homicidal demon that eventually will find his way into this world, as we can see in the next page. The idea of a humanoid with a hand sewn inside his own body and his head turned in an impossible way that defies death is quite a shocking figure. Of course, Bissette and Totleben are also in charge of the covers, and their amazing visual concepts and detailed work are a privilege and a joy to behold.

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Swamp Thing decomposing / Swamp Thing descomponiéndose

¿La vida de tus hijos tiene un precio? ¿Todo en este mundo puede ser comprado o vendido? Estas interrogantes son comunes en la sociedad actual, e imagino que Alan Moore debe haber meditado sobre ello antes de sentarse a escribir "Los periódicos de Cara-Nuclear", publicados en "Saga of the Swamp Thing" # 35 y 36 en abril y mayo de 1985.


Todo empieza en una pacífica tarde. Abby duerme al lado de Swamp Thing, los árboles están reverdeciendo, las flores brotan y los únicos raros intrusos son los papeles periódicos que han sido arrojados por ahí: "Él observa las hojas impresas que aletean como gigantescas polillas, agobiadas por su propio peso, chocando torpemente contra los negros árboles. Sus páginas están llenas de tragedias obsoletas y rostros descartados; toda la histeria cuidadosamente registrada de un mundo al que él ya no pertenece".  

Billy Hatcher

Y luego, a un par de millas, un viejo apodado Cara-Nuclear se cruza con un joven fugitivo. Cara-Nuclear es un vagabundo borracho, y de inmediato empieza a tomar un extraño líquido brillante mientras habla sobre Pennsylvania y la forma en que una empresa desechaba sus residuos nucleares. La contaminación es parte de nuestra vida, pero a veces olvidamos qué tan serias pueden ser las conse-cuencias, en especial cuando la responsabilidad corporativa es una virtud escaza. Hay películas -como "Erin Brokovich" de Steven Soderbergh- que muestran la tremenda crueldad de ciertas compañías que envenenan a personas, a conciencia, con radioactividad o sustancias químicas. Estas compañías no asumen responsabilidad alguna por sus actos, hasta que la gente empieza a demandarlas por millones de dólares, en algunos casos -en la historia de "Erin Brokovich"- la gente gana, en otros, no. Estas situaciones son de la vida real, pero lo que Alan Moore hace aquí es disfrazar el horror de la codicia corporativa en una historia alegórica de muerte y putrefacción.

John Constantine

Cuando Cara-Nuclear le da al joven vagabundo un sorbo de su bebida, entendemos qué es lo que ha estado tomando desde el inicio: residuos nucleares. Rápidamente, el joven empieza a descomponerse hasta que muere. Y Cara-Nuclear sigue en su búsqueda de desechos radioactivos. Él sabe que la compañía ya no los deja en Pennsylvania a causa de las demandas, y ahora los entierran en los pantanos de Louisiana. Cuando Swamp Thing encuentra a Cara-Nuclear, es contaminado por su cuerpo radioactivo. Si Swamp Thing es una criatura de la naturaleza, nada es más letal para él que la contaminación. Y lentamente, empieza a podrirse.


La conclusión de la historia es contada desde la perspectiva de ocho personajes diferentes. Todos comparten lo que saben, como lectores podemos armar las piezas del rompe-cabezas después de ver todo lo que experi-mentan estos hombres y mujeres. Este es un extraor-dinario recurso narrativo que sólo un puñado de escritores sabría cómo usar de modo adecuado. Alan Moore nos muestra por qué él es uno de los mejores y más influyentes autores de las últimas décadas al conectar todos los puntos y añadir así un nivel de complejidad sin precedentes. Hay momentos de verdadero terror en estas páginas, y al final Cara-Nuclear sigue libre. Nada puede detenerlo, ni la gente que murió en su presencia, ni la fauna que se pudrió. Pero tal vez lo más terrible es que Cara-Nuclear no es el monstruo real. Él es el producto de aquellos que buscan sólo ganancias, sin preocuparse por la vida. El monstruo real es la compañía, pero esta vez no hay demandas ni finales felices... sólo una última página que reúne docenas de recortes de periódico (seleccionador por Moore) que son testimonios de personas que desarrollaron algún tipo de cáncer como resultado de la exposición química o radioactiva; ellos fueron víctimas, después de todo, de la indiferencia y la frialdad de las compañías que botaron su basura sin preocuparse de las consecuencias.

Invunche

Después de una historia tan intensa, uno pensaría que Alan Moore se tomaría las cosas con calma. Pero eso no es así. Por el contrario, "Patrones de crecimiento" es el preludio de la saga más épica de Swamp Thing: American Gothic. Y este ejemplar también marca la primera aparición histórica de John Constantine, un sujeto británico, un fumador crónico, un investigador de las artes místicas y un frío bastardo capaz de engañar a cualquier hechicero o demonio sobre la Tierra. Pocos años después, John Constantine sería el protagonista de Hellblazer, un título de Vertigo que duró por más de 25 años. Estos son sus -nada humildes- orígenes.


Stephen Bissette y John Totleben nos sorprenden de nuevo con imágenes alucinantes. Veamos el horror de la miseria humana y la descomposición corporal de Cara-Nuclear, que se hace evidente en el pútrido rostro de este alcohólico / adicto a los residuos nucleares. Vi este dibujo por primera vez hace más de 14 años y quedé maravillado por los detalles y el diseño en general. Este es un cómic que nunca podría olvidar. Ver a Swamp Thing derritiéndose en un charco de fluidos radioactivos es también un poderoso momento. El lenguaje corporal y los atributos físicos de los ochos personajes que narran esta historia son retratados con sumo cuidado por el equipo creativo, Billy Hatcher es un buen ejemplo de ello. Finalmente, "Patrones de crecimiento" cuenta con los lápices de Rick Veitch y gracias a él vemos a un joven John Constantine y a su amante Emma quien dibuja un invunche, un demonio homicida que eventualmente se abrirá paso en nuestro mundo, tal como vemos en la página siguiente. La idea de un humanoide con una mano cosida dentro de su propio cuerpo y su cabeza volteada de una manera que desafía la muerte causan una fuerte impresión. Desde luego, Bissette y Totleben también están a cargo de las portadas, y sus asombrosos conceptos visuales y detallado trabajo son un privilegio y un disfrute para quien los contempla.