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December 8, 2022

Twilight - Howard Chaykin & José Luis García López

I remember the first time I found out about Twilight was in an ad in some of the DC comics I used to read as a child. It was one of those advertisements in the back of the comics and I always remember this one because it simply said Twilight and had in the background 5 characters that looked very much like the quintessential 50s heroes, with the old hairstyle, the optimistic expression; everything about them just looked like something from at least half a century ago and then in front we get to see the new versions which were completely different and seemed to be more real, more grounded, more human but also more dangerous, more damaged and certainly more unreliable. 

José Luis García López

While the old characters were all dependable, honest and good American heroes the new ones seemed more like a collection of psychopaths, much in the same way that Alan Moore reimagined superheroes for Watchmen. Howard Chaykin was trying to do something similar with those forgotten characters from the '50s, however is not necessary to know anything about them because all of this takes place in its own continuity.
José Luis García López

In the '50s, DC comics used to publish quite a few titles of science fiction, of course we are not talking about the science fiction of prestigious writers like Asimov or Bradbury, we're talking more about science fiction as it was understood in B-series movies and low budget TV shows of the past. So we had characters that would fly to Mars or to the Moon in a rocket to fight against communist Martians or some such, it was the '50s, times were simple back then. These were typical comics in which the hero was always good and the enemy was always bad, and in just a handful of pages the hero would be able to use the technology of the future to win (which means a gun with lasers and his own fist to quickly defeat whatever threat was in front of him). 
José Luis García López

As you can probably imagine, when Crisis on Infinite Earths was published in the mid '80s, none of these characters were incorporated into the new DC universe, they were completely forgotten, nobody ever paid attention to them, nobody seemed to remember them except, of course, a writer as famous as Chaykin. 

What Chaykin did was, in many ways, revisit the concept of this futuristic heroes. Could we tell such simple and naive stories about the future in the 90s? Evidently, the answer was no. There was no way that he was going to do a nostalgic revival of the heroes of the '50s so what he did was a complete deconstruction of these old science fiction superheroes. To accomplish his goal, he made a lot of changes to those characters that had been left in the past even though, in theory, they lived in the future.
the beginning of the war / el principio de la guerra

Some of those characters had names such as Tommy Tomorrow, Star Hawkins, the Museum of Space, the Star Rovers, Space Cabbie, Manhunter 2070, and so on. The one that Chaykin changed most aggressively, was Tommy Tomorrow, “who appears here as a golden space deity with an insatiable egotistic need for validation and a consuming desire for romantic love”. According to Zack Quaintance: “Twilight is a comic that doesn’t fit neatly into the baskets we have for books of its era. It’s not overly grim or gritty, not exactly, and it’s not a landmark deconstructionist tomb that went on to influence a generation (though one can imagine an alternate timeline wherein it is). There’s more affection for the genre and characters and tradition in this book than in some of its contemporaries of the era”. Besides, “Twilight is also a feat of unrestrained imagination, even if that comes at the price of accessibility”. On a surface level, Chaykin writes a story of mankind becoming immortal, hating it, and by choice becoming mortal again”.
Tommy Tomorrow is obsessed with being forever young / Tommy Tomorrow está obsesionado con ser joven para siempre 

I agree with Quaintance, Chaykin proves to be a very imaginative writer but his Twilight isn’t easy to read. I bought it over a year ago, I tried to start reading it right away and after a couple of pages, I stopped. As a story it isn’t inviting, I think it requires a lot of patience from the reader. The first pages are sort of hermetic, and can be discouraging. A year after, since I had nothing to do during the Thanksgiving break, I decided to force myself to read Twilight, and after going through the first 10 or 15 pages, which are very difficult, I finally started enjoying it, and by the end of volume 3, I was already loving it. 
Prostitution has changed considerably / la prostitución ha cambiado considerablemente

Quaintance explains that “Twilight is almost radical, made nearly impossible by the rate of ideas it attempts to explore (some with great success, others not so much) as well as the high imagination of its artwork. There’s no hand-holding, no orienting the reader. Much of Twilight is a challenge to keep up. Readers may get stalled or bogged down by the wordiness of Twilight, were it not for the absolute feats of artistry accomplished by García López. García López is an all-time great superhero comic artist, having illustrated the guidebook for DC Comics superheroes that remains to this day the way I see the publisher’s characters in my mind’s eye”. 
space stations are owned by mega corporations / las estaciones espaciales son propiedad de las mega corporaciones

According to John Byrne, José Luis García López is an “Astonishing artist. Nothing he cannot draw. The best of the best”. For many years García López has been the kind of legendary artist that is revered by the very best in the industry. It’s true that “José Luis García López was the mastermind behind the DC Style Guide”, but he was also an artist that has exceled throughout the decades. For me, García López was the magnificent artist in charge of Atari Force, a comic I read many years ago and now I would love to re-read. 
everything is for sale / todo está a la venta

There is a strong European feel in the art of Twilight, and many pages seem to have been inspired by masters like Moebius. García López creates some of the most beautiful pages I’ve seen in the 90s, and even if Chaykin makes a few narrative mistakes, the art truly elevates Twilight and turns it into one of the best graphic novels from that decade. I had a selection of over 25 pages that I wanted to include in this post, and it was very difficult to narrow it down. I hope you enjoy the ones I’m including here. 
Homer is blind, and yet he can see the future / Homer está ciego, y aun así, puede ver el futuro

Finally, “In Twilight, García López delivers a tour de force of comic book artistry, forging fleets of spaceships, space station research facilities corrupted into late-capitalism corporate hellscapes, hybrid species, cosmic gods fallen from perches on high, human-robot-hybrids, sanctimonious space knights that practice chastity and some sort of medieval clothing design”. I share the same opinion with Quaintance, as impressive as previous García López’s works were, I truly think Twilight was the best work of his career. Definitely García López has always been one of the best Spanish artists in the American comic book industry. 
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Recuerdo que la primera vez que me enteré de “Twilight” fue en un anuncio en algunos de los cómics de DC que solía leer cuando era niño. Era uno de esos anuncios en la parte de atrás de los cómics y siempre recuerdo este porque simplemente decía “Twilight” y tenía de fondo las siluetas de 5 personajes que se parecían mucho a los héroes típicos de los 50s, con el peinado a la antigua, la expresión optimista; todo sobre ellos parecía algo de hacía al menos medio siglo y luego, al frente, podemos ver las nuevas versiones que eran completamente diferentes y parecían más reales, más densas, más humanas pero también más peligrosas, más dañadas y ciertamente con más desconfianza.

Si bien los viejos personajes eran todos héroes estadounidenses confiables, honestos y buenos, los nuevos parecían más una colección de psicópatas, de la misma manera que Alan Moore reinventó a los superhéroes para Watchmen. Howard Chaykin estaba tratando de hacer algo similar con esos personajes olvidados de los 50s, sin embargo no es necesario saber nada de ellos porque todo esto ocurre en su propia continuidad.
the Knight of the Galaxy has sworn to remain chaste / el Caballero de la Galaxia ha jurado ser casto

En los 50s, DC comics publicaba bastantes títulos de ciencia ficción, claro que no estamos hablando de la ciencia ficción de escritores de prestigio como Asimov o Bradbury, estamos hablando más de ciencia ficción tal y como se entendía en las películas de serie B y programas de televisión de bajo presupuesto del pasado. Así que teníamos personajes que volarían a Marte o a la Luna en un cohete para luchar contra los marcianos comunistas o algo así, eran los 50s, los tiempos eran simples en ese entonces. Eran los típicos cómics en los que el héroe siempre era bueno y el enemigo siempre malo, y en apenas un puñado de páginas el héroe sería capaz de usar la tecnología del futuro para ganar (es decir, una pistola con rayos láser y su propio puño); para derrotar rápidamente cualquier amenaza que estuviera frente a él.
The search continues / la búsqueda continúa

Como probablemente podéis imaginar, cuando se publicó Crisis en Tierras Infinitas a mediados de los 80s, ninguno de estos personajes se incorporó al nuevo universo DC, fueron completamente olvidados, nadie les prestó atención, nadie parecía recordarlos excepto, por supuesto, un escritor tan famoso como Chaykin. 
The Knight of the Galaxy breaks his celibacy vows / el Caballero de la Galaxia rompe sus votos de celibato

Lo que hizo Chaykin fue, en muchos sentidos, revisar el concepto de estos héroes futuristas. ¿Podríamos contar historias tan simples e ingenuas sobre el futuro en los 90s? Evidentemente, la respuesta fue no. No había forma de que él hiciese un renacimiento nostálgico de los héroes de los 50s, así que lo que hizo fue una deconstrucción completa de estos viejos superhéroes de ciencia ficción. Para lograr su objetivo, realizó muchos cambios en aquellos personajes que habían quedado en el pasado aunque, en teoría, vivían en el futuro.
the goddess has been defeated / la diosa ha sido vencida

Algunos de esos personajes tenían nombres como Tommy Tomorrow, Star Hawkins, el Museo del Espacio, los Star Rovers, el taxista espacial, Manhunter 2070, etc. El que Chaykin cambió de manera más agresiva fue Tommy Tomorrow, “quien aparece aquí como una deidad espacial dorada con una insaciable necesidad egoísta de validación y un deseo consumidor de amor romántico”. Según Zack Quaintance: “Twilight es un cómic que no encaja perfectamente en las casillas que tenemos para títulos de su época. No es demasiado sombrío o amargo, no exactamente, y no es una tumba deconstruccionista histórica que influyó a una generación (aunque uno puede imaginar una línea de tiempo alternativa en la que sí lo es). Hay más cariño por el género y los personajes y la tradición en este libro que en algunos de sus contemporáneos de la época”. Además, “Crepúsculo es también una hazaña de imaginación desenfrenada, incluso si eso tiene el precio de la accesibilidad. En un nivel superficial, Chaykin escribe una historia sobre la humanidad que se vuelve inmortal, la odia y, por elección, se vuelve mortal nuevamente”.
Tommy Tomorrow has won the battle / Tommy Tomorrow ha ganado la batalla

Estoy de acuerdo con Quaintance, Chaykin demuestra ser un escritor muy imaginativo pero su Twilight no es fácil de leer. Lo compré hace más de un año, traté de empezar a leerlo de inmediato y después de un par de páginas, me detuve. Como historia no es accesible, creo que requiere mucha paciencia por parte del lector. Las primeras páginas son algo herméticas y pueden ser desalentadoras. Un año después, como no tenía nada que hacer durante las vacaciones de Acción de Gracias, decidí obligarme a leer Twilight, y después de pasar las primeras 10 o 15 páginas, que son muy difíciles, finalmente comencé a disfrutarlo, y al final del volumen 3, ya me estaba encantando. 
Tommy Tomorrow is a new god / Tommy Tomorrow es un nuevo dios

Quaintance explica que “Twilight es casi radical, casi imposible por la cantidad de ideas que intenta explorar (algunas con gran éxito, otras no tanto), así como la gran imaginación de su obra de arte. No se toma de la mano, no se orienta al lector. Gran parte de Twilight es un desafío para mantenerse al día. Los lectores podrían quedarse atascados o varados por la verborrea de Twilight, si no fuera por las hazañas absolutas del arte logradas por García López. García López es un gran dibujante de cómics de superhéroes de todos los tiempos, habiendo ilustrado la guía de superhéroes de DC Comics que sigue siendo hasta el día de hoy la forma en que veo a los personajes de la editorial en mi mente”.
Starker's sacrifice / el sacrificio de Starker

Según John Byrne, José Luis García López es un “Artista asombroso. Nada que no pueda dibujar. Lo mejor de lo mejor". Durante muchos años, García López ha sido el tipo de artista legendario venerado por los mejores de la industria. Es cierto que “José Luis García López fue el autor intelectual de la Guía de Estilo DC”, pero también fue un artista que se ha destacado a lo largo de las décadas. Para mí, García López fue el magnífico dibujante a cargo de Atari Force, un cómic que leí de niño y que ahora me encantaría releer.
Tommy Tomorrow demands absolute devotion / Tommy Tomorrow exige devoción absoluta

Hay una fuerte sensación europea en el arte de Twilight, y muchas páginas parecen haber sido inspiradas por maestros como Moebius. García López crea algunas de las páginas más hermosas que he visto en los 90s, e incluso si Chaykin comete algunos errores narrativos, el arte realmente eleva a Twilight y la convierte en una de las mejores novelas gráficas de esa década. Tenía una selección de más de 25 páginas que quería incluir en este post y me fue muy difícil reducirla. Espero que disfrutéis de las que incluyo aquí.
the Knight of the Galaxy remembers his goddess / el Caballero de la Galaxia recuerda a su diosa

Finalmente, “En Twilight, García López ofrece un tour de force del arte de los cómics, forjando flotas de naves espaciales, instalaciones de investigación de estaciones espaciales corrompidas en paisajes infernales corporativos del capitalismo tardío, especies híbridas, dioses cósmicos caídos de las alturas, humano-robot- híbridos, caballeros espaciales santurrones que practican la castidad y algún tipo de diseño de ropa medieval”. Comparto la misma opinión con Quaintance, a pesar de lo impresionantes que fueron los trabajos anteriores de García López, realmente creo que Twilight fue la mejor obra de su carrera. Definitivamente García López siempre ha sido uno de los mejores dibujantes españoles de la industria del cómic estadounidense.

September 14, 2021

Superman # 4 - John Byrne

 “Dedicated to the names on the Black Wall -- and those who remember them” are the closing lines of “Bloodsport!” (originally published in Superman # 4, April 1987). When I first read this comic book, translated into Spanish by Ediciones Zinco, I remember feeling quite intrigued by those lines. What was the black wall? And why did it matter so much? It seemed to me that it had to be an homage to the Vietnam war but turns out John Byrne was referring to the Tulsa race massacre in 1921.

Racial discrimination of white men against black people brought about the tragedy of 1921. More than 60 years later, Byrne suggests that discrimination still exists although it has taken new forms and it isn’t simply a physical confrontation but something deeply engrained in society’s structure. In this issue, Superman will fight against Bloodsport, perhaps the first African American villain that had ever appeared in the pages of the Man of Steel. Except that he isn’t necessarily a super villain but rather the unfortunate result of living under certain circumstances. However, and I think it’s brilliant on Byrne’s part, issues of race are never mentioned in this issue at all, thus creating an interesting contrast with the final lines. 
Bloodsport

With an endless supply of highly technological weapons that can be teleported to his hands, Bloodsport is wreaking havoc in the streets of Metropolis. In fact, he nearly kills Jimmy Olsen, Superman’s best friend, and it’s the young reporter who alerts the Man of Steel about Bloodsport. What follows is an extraordinary sequence in which Byrne shows all his talent not only as a writer but also as an artist: Superman walks to the scene of the crime, and in the two last panels we see a silhouette of him opening the door, and the dead bodies on the ground. The use of a shadow for a character as luminous as Superman isn’t coincidental, the amount of dead people is shocking for Superman and that results evident in the last panel, in which the lack of background emphasizes the one thing Byrne wants to share with us, id est, Superman’s reaction. 

Shortly after that, Superman talks with captain Maggie Sawyer of the Major Crimes Unit. In her first appearance, Maggie Sawyer is portrayed as a tough, commanding and resilient woman. In future issues Byrne will reveal that Sawyer is a lesbian, thus creating the first important lesbian character in the DC Universe (much in the same way Byrne created Northstar, the first gay character in the Marvel Universe). In both situations, Byrne had to be very careful with the portrayal of these characters, as the Comics Code Authority categorically prohibited references to homosexuality. Interestingly enough, by having a black character and not talking explicitly about racism and by having a homosexual character and not talking about sexuality, Byrne only highlights the fact that discrimination is still something very real in today’s world. 
Lucy Lane & Jimmy Olsen

Another tremendously surprising moment in this issue is the sequence in which Bloodsport shoots Superman with a kryptonite bullet. In that situation, Jimmy Olsen is able to save Superman, and the Man of Steel goes under surgery so that the bullet fragments can be removed. Once again, in the final confrontation between Superman and Bloodsport, it’s Jimmy Olsen who saves the day, by finding Bloodsport’s brother. From the first lines of this issue, everything seemed to revolve around the Vietnam war, and in the final pages everything comes to a heartbreaking conclusion. Masterfully written and illustrated, this is one of the best Superman issues of Byrne’s first year.  
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"Dedicado a los nombres en el Muro Negro - y aquellos que los recuerdan" son las líneas finales de "Bloodsport!" (publicado originalmente en Superman # 4, abril de 1987). Cuando leí por primera vez este cómic, traducido al español por Ediciones Zinco, recuerdo haberme sentido bastante intrigado por esas líneas. ¿Qué era el muro negro? ¿Y por qué importaba tanto? Me pareció que tenía que ser un homenaje a la guerra de Vietnam, pero resulta que John Byrne se refería a la masacre racial de Tulsa en 1921.
Maggie Sawyer

La discriminación racial de los hombres blancos contra los negros provocó la tragedia de 1921. Más de 60 años después, Byrne sugiere que la discriminación todavía existe, aunque ha tomado nuevas formas y no es simplemente una confrontación física, sino algo profundamente arraigado en la estructura de la sociedad. En este número, Superman luchará contra Bloodsport, quizás el primer villano afroamericano que apareció en las páginas del Hombre de Acero. Excepto que no es necesariamente un súper villano, sino más bien el resultado desafortunado de vivir bajo ciertas circunstancias. Sin embargo, y creo que es brillante por parte de Byrne, las cuestiones raciales nunca se mencionan en este número, lo que crea un contraste interesante con las líneas finales.
Kryptonite bullet / bala de kriptonita

Con un suministro interminable de armas altamente tecnológicas que pueden teletransportarse a sus manos, Bloodsport está causando estragos en las calles de Metropolis. De hecho, casi mata a Jimmy Olsen, el mejor amigo de Superman, y es el joven reportero quien alerta al Hombre de Acero sobre Bloodsport. Lo que sigue es una secuencia extraordinaria en la que Byrne muestra todo su talento no sólo como escritor sino también como artista: Superman camina hacia la escena del crimen, y en las dos últimas viñetas vemos su silueta abriendo la puerta, y los cadáveres en el suelo. El uso de una sombra para un personaje tan luminoso como Superman no es casual, la cantidad de muertos es impactante para Superman y eso resulta evidente en la última viñeta, en la que la falta de fondos enfatiza lo único que Byrne quiere compartir con nosotros, es decir, la reacción de Superman.
Jimmy to the rescue! / Jimmy al rescate

Poco después de eso, Superman habla con la capitana Maggie Sawyer de la Unidad de Crímenes Mayores. En su primera aparición, Maggie Sawyer es retratada como una mujer fuerte, dominante y resistente. En números futuros, Byrne revelará que Sawyer es lesbiana, creando así el primer personaje lésbico importante en el Universo DC (de la misma manera que Byrne creó a Northstar, el primer personaje gay en el Universo Marvel). En ambas situaciones, Byrne tuvo mucho cuidado con la representación de estos personajes, ya que la Autoridad del Código de Comics prohibía categóricamente cualquier referencia a la homosexualidad. Curiosamente, al tener un personaje negro y no hablar explícitamente sobre el racismo y al tener un carácter homosexual y no hablar de la sexualidad, Byrne solo destaca el hecho de que la discriminación sigue siendo algo muy real en el mundo de hoy.

Otro momento tremendamente sorprendente en este número es la secuencia en la que Bloodsport dispara a Superman con una bala de kriptonita. En esa situación, Jimmy Olsen puede salvar a Superman, y el Hombre de Acero se somete a una cirugía para que se puedan quitar los fragmentos de bala. Una vez más, en el enfrentamiento final entre Superman y Bloodsport, es Jimmy Olsen quien salva el día al encontrar al hermano de Bloodsport. Desde las primeras líneas de este número, todo parecía girar en torno a la guerra de Vietnam, y en las últimas páginas todo llega a una desgarradora conclusión. Magistralmente escrito e ilustrado, este es uno de los mejores números de Superman del primer año de Byrne.

September 21, 2020

August films / películas de agosto

Turns out last month I ended up focusing on Anton Yelchin, who tragically died at age 27 in 2016. I wasn’t sure what to expect from Justin Lin’s Star Trek Beyond (2016), but I have to admit I was pleasantly surprised. The Enterprise is destroyed by a new alien race that has a strong reason to hate the United Federation of Planets. Robert Orci returns as a screenwriter and the result is quite good. Star Trek Beyond has a lot of action and that sense of adventure one would expect from a crew that has boldly gone where no one has gone before. It was also great to see such an amazing group of actors reprising their roles: Chris Pine (Star Trek Into Darkness), Zachary Quinto, Karl Urban, Zoe Saldana, Simon Pegg, John Cho, Anton Yelchin (Green Room), as well as having new additions like Idris Elba and Sofia Boutella. If you’re a trekkie, you can’t miss this one. 


Fierce People (2005), directed by Griffin Dunne and based on Dirk Wittenborn’s book, is a very unique and special film that follows the life of Anton Yelchin (Fright Night), a teenager with a passion for anthropology, who is suddenly taken by his mother, Diane Lane (Cinema Verité), a recovering drug addict, to a completely new and alien environment, the estate of Donald Sutherland (Il Casanova), one of the richest men in the US, who lives a carefree life full of indulgence and extravagance. For the protagonist, he has entered into a new world, a new tribe of people, and he does his best to fit in. He meets Chris Evans (Puncture) and they quickly become friends, and he also falls in love with Kristen Stewart (Equals), the heiress that everyone is after. With an all-star cast and a captivating script, Dunne makes us understand what it means to fall into a strange land full of bizarre rituals, but above all, the filmmaker transmits with clarity and emotion the turmoil of adolescence. This coming of age story, of course, isn’t all about happiness, and when the boy is raped in the middle of the night by an anonymous assailant, he must decide whether to remain there and pretend like nothing has happened, or keep fighting and find out who did that terrible thing. 

Like Crazy (2011), by Drake Doremus, is a love story about two college students, Anton Yelchin (House of D) and Felicity Jones (Rogue One: A Star Wars Story); he’s American and she’s British. At the beginning everything is love and happiness, but then she overstays here visa, and when tries to re-enter the US she’s immediately deported. What started as a simple love story turns out to be a rather peculiar exploration of the immigration laws of the US. Doremus highlights the pain and the frustration experimented by the young couple, who are now in different continents. At some point the protagonist begins a relationship with Jennifer Lawrence (The Hunger Games), and that makes sense, after all, proximity is always the base for most relationships. I think in general there are promising ideas here, but the execution overall is a bit lacking. 

Verdensvevde kropper (2015) is a Norwegian short film written and directed by Truls Krane Meby. A 12-year old boy, Heine Dybvik, is delighted to see that his parents have bought a computer. It’s the early 90s, the Internet is still starting, but there are already porn webpages, which the boy eagerly awaits to see. Staying up late and coming with absurd excuses, the protagonist masturbates constantly while watching porn, but one day he discovers that his father has also been doing the same. It’s only a matter of time before the mom discovers what’s going on, but who will take the blame for that? The filmmaker depicts really well the hypocrisy of the adults as well as the boy’s naiveté. 
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Resulta que el mes pasado terminé enfocándome en Anton Yelchin, que murió trágicamente a los 27 años en el 2016. No estaba seguro de cuál sería la recepción de Star Trek Beyond (2016) de Justin Lin, pero debo admitir que me sorprendió gratamente. La nave Enterprise es destruida por una nueva raza alienígena que tiene una fuerte razón para odiar a la Federación Unida de Planetas. Robert Orci vuelve como guionista y el resultado es bastante bueno. Star Trek Beyond tiene mucha acción y ese sentido de aventura que uno esperaría de una tripulación que ha ido audazmente a donde nadie más ha ido antes. También fue genial ver a un grupo tan increíble de actores repitiendo sus papeles:  Chris Pine (Star Trek Into Darkness), Zachary Quinto, Karl Urban, Zoe Saldana, Simon Pegg, John Cho, Anton Yelchin (Green Room), además de tener nuevas incorporaciones como Idris Elba y Sofia Boutella. Si eres un trekkie, no te la  puedes perder.


Fierce People (2005), dirigida por Griffin Dunne y basada en el libro de Dirk Wittenborn, es una película muy singular y especial que sigue la vida de Anton Yelchin (Fright Night), un adolescente apasionado por la antropología, que de repente es llevado por su madre, Diane Lane (Cinema Verité), una drogadicta en recuperación, a un entorno completamente nuevo y extraño, las tierras de Donald Sutherland (Il Casanova), uno de los hombres más ricos de los Estados Unidos, que vive una vida sin preocupaciones, llena de indulgencia y extravagancia. Para el protagonista, esto es entrar en un mundo nuevo, una nueva tribu de personas, y hace todo lo posible para encajar. Conoce a Chris Evans (Puncture) y rápidamente se hacen amigos, y también se enamora de Kristen Stewart, la heredera a quien todos persiguen. Con un reparto estelar y un guión cautivador, Dunne nos hace comprender lo que significa caer en una tierra extraña llena de rituales bizarros, pero sobre todo, el cineasta transmite con claridad y emoción las sacudidas de la adolescencia. Esta historia sobre la juventud, por supuesto, no es pura felicidad, y cuando el adolescente es violado en medio de la noche por un asaltante anónimo, él debe decidir si permanecer allí y fingir que no ha pasado nada, o seguir peleando y averiguar quién cometió semejante acto.

Like Crazy (2011), de Drake Doremus, es una historia de amor sobre dos estudiantes universitarios, Anton Yelchin y Felicity Jones; él es estadounidense y ella es británica. Al principio todo es amor y felicidad, pero luego ella se queda en el país más tiempo del que le permite la visa y cuando intenta volver a entrar a los Estados Unidos es deportada de inmediato. Lo que comenzó como una simple historia de amor resulta ser una exploración bastante peculiar de las leyes de inmigración de Estados Unidos. Doremus destaca el dolor y la frustración que experimenta la joven pareja, que ahora se encuentra en diferentes continentes. En algún momento el protagonista comienza una relación con Jennifer Lawrence (The Hunger Games), y eso tiene sentido, después de todo, la proximidad es siempre la base de la mayoría de las relaciones. Creo que, en general, hay ideas prometedoras aquí, pero la ejecución en general es un poco deficiente.

Verdensvevde kropper (2015) es un cortometraje noruego escrito y dirigido por Truls Krane Meby. Un chico de 12 años, Heine Dybvik, está encantado de ver que sus padres han comprado una computadora. Estamos a principios de los 90, El internet todavía está comenzando, pero ya hay páginas web pornográficas, que el chico espera ver ansiosamente. El protagonista se queda despierto hasta tarde con excusas absurdas, y se masturba constantemente mientras ve porno, pero un día descubre que su padre también ha estado haciendo lo mismo. Es sólo una cuestión de tiempo antes de que la mamá descubra lo que está pasando, pero ¿quién terminará siendo culpable? El cineasta retrata muy bien la hipocresía de los adultos así como la ingenuidad del niño.

March 6, 2020

February Films / películas de febrero

Sam Mendes had already proved how talented he was with films like American Beauty and Revolutionary Road, but I think nothing could have been more challenging for a filmmaker than 1917 (2019), an impressive film about WWI which consists basically of one shot from beginning to end (at least from the perspective of the protagonist). At the beginning, corporals Dean-Charles Chapman (Game of Thrones) and George MacKay (How I Live Now) are sent to the front line with the mission of delivering a very important message, if they don’t succeed thousands of men will die in the battlefield. Armed with nothing else but courage, the two young men do the best they can until one of them dies. George MacKay, the survivor, must find the strength within himself to complete what seems to be an impossible mission. Mendes reconstructs the horrors of war as well as the dire everyday conditions for both soldiers and civilians. At some points, the film is so realistic that it feels more like a documentary, but at other points, the beauty of the shots, the majestic landscapes and the fantastic music score by Thomas Newman elevate the whole experience to a new level. The final scene is absolutely heartbreaking and it’s almost one of the best endings I’ve seen in a historical production about war. The all-star cast includes Colin Firth, Mark Strong, Benedict Cumberbatch and Richard Madden. Definitely one of the best films from 2019! 

Parasite (2019), directed by Bong Joon Ho, was not only my favorite film of 2019 but also a big winner at the night of the Oscars. I must admit I wasn’t familiar with the work of this Korean filmmaker, but from the opening sequences it was clear to me that this was someone who had a unique voice and visual style. I was also immediately captivated by the fascinating story of a family living in misery and desperate to find a way to make money. Jobs are scarce and the situation seems dire. And I must say it’s almost impossible not to feel identified with trials of tribulations of this family, at least to a certain level. But then we can’t help but to admire the cleverness of the older son, who finds his way into the home of a wealthy family and gets hired as a tutor, and soon gets his impoverished relatives hired as well. The dynamics between the rich family and the poor one are quite rich and meaningful, and if this family works as a microcosmos in which we see much larger social structures of power at play then it’s only thanks to the talent of the director that we can equally relate to both extremes, from the aspirational desire that everyone shares, the dream to become rich one day, to the crude and awful reality of becoming a parasite in order to survive. But like all parasites, it’s the necessary for the host body to live, and once that life is at risk everything falls apart. The ending was as shocking as it was unexpected. 

And since I mentioned the Oscars, It’d be remiss of me not to point out that the Academy is famous for ignoring excellent filmmakers as well as giving awards to mediocre productions. Sure, last month they actually chose the right film and proved that even a broken clock can still give you the right time twice a day, but that in no way solves the multiple omissions and mistakes in judgment made over the years. Which brings me to The Hours (2002), directed by Stephen Daldry and based on Michael Cunningham’s novel. Without a shadow of a doubt, The Hours was the best film of that decade, and the year it was nominated it should’ve easily won as best film, but it didn’t. After the extraordinary Billy Elliot, Daldry embarked upon a very ambitious project that would prove his expert mastery of the cinematographic language and his unparalleled talent. The Hours is polyphonic story that takes place in 3 different historical moments, and focuses on 3 women that must all deal with suicide and questions of sexuality. Meryl Streep (The Bridges of Madison County) is a lesbian editor who lives in New York, in 2001, and who is trying to organize a party for his friend and poet Ed Harris; Julianne Moore (Still Alice) is a housewife in the 50s, married to a man who she doesn’t love (John C. Reilly) and pregnant of her second child, as a mother and as a wife, she has never had the chance to explore what it means to be a woman, and she has strong feelings for her neighbor Toni Collette, another woman who seems to live a perfect life and yet is deeply unhappy; finally, Nicole Kidman (The Others) is famed author Virginia Woolf in late 19th century England, living a life she has no wish to live, and staying alive only out of love for her husband, Leonard (Stephen Dillane), and her sister, Vanessa. From the beginning, the remarkable music score of Philip Glass creates a unique atmosphere of melancholy, and then Daldry’s impeccable transitions take the viewer from one era to another, from one woman to the next. Each story is fascinating on its own, but they become more intense and complex in dialog with the other stories. As the viewer travels through the lives of these 3 women, one can find the connections, the shared pain and the sense of loss in a society that doesn’t accept alternative forms of sexuality, and yet “You cannot find peace by avoiding life”. Every sequence in The Hours is absolutely memorable, every interaction between actors and actresses is remarkable, every line of dialogue is brilliant. This masterpiece is on my top 5 best films of all times, and even after almost 20 years I’ve never come across another one as meaningful, beautiful, unforgettable and touching. 
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Sam Mendes ya había demostrado lo talentoso que era con películas como American Beauty y Revolutionary Road, pero creo que nada podría haber sido más retador para un cineasta que 1917 (2019), una película impresionante sobre la Primera Guerra Mundial que consiste básicamente en una sola toma de principio a fin (al menos desde la perspectiva del protagonista). Al principio, los soldados Dean-Charles Chapman y George MacKay (How I Live Now) son enviados al frente con la misión de entregar un mensaje muy importante, si no tienen éxito, miles de hombres morirán en batalla. Armados con nada más que valor, los dos jóvenes hacen lo mejor que pueden hasta que uno de ellos muere. George MacKay, el sobreviviente, debe encontrar la fuerza dentro de sí mismo para completar lo que parece ser una misión imposible. Mendes reconstruye los horrores de la guerra, así como las terribles condiciones cotidianas tanto para los soldados como para los civiles. En algunos puntos, la película es tan realista que se siente más como un documental, pero en otros puntos, la belleza de las tomas, los majestuosos paisajes y la fantástica música de Thomas Newman elevan toda la experiencia a un nuevo nivel. La escena final es absolutamente desgarradora y es casi uno de los mejores finales que he visto en una producción histórica sobre la guerra. El elenco de estrellas incluye a Colin Firth, Mark Strong, Benedict Cumberbatch y Richard Madden. ¡Definitivamente una de las mejores películas del 2019!

Parasite (2019), dirigida por Bong Joon Ho, no sólo fue mi película favorita del 2019, sino también una gran ganadora en la noche de los Oscares. Debo admitir que no estaba familiarizado con el trabajo de este cineasta coreano, pero desde las secuencias iniciales me quedó claro que era alguien que tenía una voz y un estilo visual únicos. También me cautivó de inmediato la fascinante historia de una familia que vive en la miseria y está desesperada por encontrar una manera de ganar dinero. Los trabajos son escasos y la situación parece grave. Y debo decir que es casi imposible no sentirse identificado con las dificultades y tribulaciones de esta familia. No podemos evitar admirar la astucia del hijo mayor, que se abre paso hasta llegar a la casa de una familia acaudalada y es contratado como tutor, y pronto también logra que contraten a sus parientes empobrecidos. La dinámica entre la familia rica y la pobre es bastante rica y significativa, y si esta familia funciona como un microcosmos en el que vemos estructuras sociales de poder mucho más grandes en juego, es sólo gracias al talento del director que podemos igualmente relacionarnos con ambos extremos, desde el deseo aspiracional que todos comparten, el sueño de hacerse rico algún día, hasta la cruda y horrible realidad de convertirse en un parásito para sobrevivir. Pero como todos los parásitos, es necesario que el cuerpo huésped viva, y una vez que esa vida está en riesgo, todo se desmorona. El final fue tan impactante como inesperado.

Y ya que mencioné los Oscares, sería negligente de mi parte no señalar que la Academia es famosa por ignorar a excelentes cineastas y por otorgar premios a producciones mediocres. Claro, el mes pasado en realidad eligieron la película correcta y probaron que incluso un reloj malogrado aún puede darte la hora correctamente dos veces al día, pero eso de ninguna manera resuelve las múltiples omisiones y errores de juicio cometidos a lo largo de los años. Lo que me lleva a The Hours (2002), dirigida por Stephen Daldry y basada en la novela de Michael Cunningham. Sin lugar a dudas, The Hours fue la mejor película de esa década, y el año en que fue nominada debería haber ganado fácilmente como mejor película, pero no fue así. Después del extraordinario Billy Elliot, Daldry se embarcó en un proyecto muy ambicioso que demostraría su dominio experto del lenguaje cinematográfico y su talento incomparable. The Hours es una historia polifónica que tiene lugar en 3 momentos históricos diferentes, y se centra en 3 mujeres que deben lidiar con el suicidio y con cuestiones de sexualidad. Meryl Streep (The Bridges of Madison County) es una editora lesbiana que vive en New York, en el 2001, y que está tratando de organizar una fiesta para su amigo y poeta Ed Harris; Julianne Moore (Still Alice) es una ama de casa de los años 50s, casada con un hombre al que no ama (John C. Reilly) y embarazada de su segundo hijo, como madre y como esposa, nunca ha tenido la oportunidad de explorar qué significa ser una mujer, y tiene fuertes sentimientos por su vecina Toni Collette, otra mujer que parece vivir una vida perfecta y, sin embargo, es profundamente infeliz; finalmente, Nicole Kidman (The Others) es la famosa autora Virginia Woolf a fines del siglo XIX en Inglaterra, vive una vida que no desea vivir y se mantiene viva sólo por amor a su esposo, Leonard (Stephen Dillane) y a su hermana, Vanessa. Desde el principio, la notable composición musical de Philip Glass crea una atmósfera única de melancolía, y luego las transiciones impecables de Daldry llevan al espectador de una época a otra, de una mujer a otra. Cada historia es fascinante por sí sola, pero se vuelven más intensas y complejas cuando entran en diálogo entre sí. A medida que el espectador viaja a través de la vida de estas 3 mujeres, uno puede encontrar las conexiones, el dolor compartido y la sensación de pérdida en una sociedad que no acepta formas alternativas de sexualidad y, sin embargo, "no se puede encontrar la paz evitando la vida". Cada secuencia en The Hours es absolutamente memorable, cada interacción entre actores y actrices es notable, cada línea de diálogo es brillante. Esta obra maestra está en mi lista de las 5 mejores películas de todos los tiempos, e incluso después de casi 20 años, nunca he podido encontrar otra tan significativa, hermosa, inolvidable y conmovedora.

December 1, 2019

November films / películas de noviembre

In November instead of Thanksgiving I enjoyed a really fun Friendsgiving with friends from Europe and other countries. And this month I was also able to go to Regal Cinemas to see Todd Phillips’ Joker (2019), a disturbing origin story of Batman’s greatest villain. I must say Joker exceeded all my expectations. Not only it’s a complex and suspenseful psychological thriller but also a very human and original interpretation of the Clown Prince of Crime. Joaquin Phoenix (Irrational Man) transforms himself completely in his role as the future Joker, showing us a vulnerable side that we didn’t know existed in such iconic villain. The protagonist is an outcast, an individual that is struggling to make a living in a bleak and miserable Gotham City. Since this wasn’t based on any specific comic book (although there are some loose references to classic stories like Alan Moore’s The Killing Joke), everything that happens here is unexpected. The main strength of the film is not special effects or meaningless plot twists, everything that matters is inside the head of the protagonist, and thanks to Phoenix’s extraordinary performance, we have access to the inner workings of the mind of a psychopath. The all-star cast includes Robert De Niro (Grudge Match), Frances Conroy, Zazie Beetz. Definitely one of the best movies of 2019. 

Arie Posin’s The Chumscrubber (2005) is a fascinating film about loss, mourning and the difficult interaction between adults and teenagers. The story begins in a wealthy suburb in Los Angeles, where adults are obsessed with ambition and success; their fake smiles and flawless houses project an image of a perfect life, but it’s all a lie. Jamie Bell (Billy Elliot) is a teenager who visits his best friend, and finds him dead, he has committed suicide, but not even his mother has noticed that, busy as she is throwing a fabulous party. Unable to cope with the loss, the protagonist becomes addicted to pills while he’s neglected by his parents. This seems be a common occurrence, as every teenager in this story is in one way or another abandoned or ignored by their parents, to the point that it’s quite painful for the viewer to accept that all this loneliness will have severe repercussions. The absentminded adults are always selfish, while the confused teenagers are always angry or uncomfortable in their own skin, and yes, they’ll do crazy things in order to survive. The talented filmmaker creates unique and unforgettable scenes, with powerful moments and situations that can make you laugh out loud or cry. In addition to a captivating script, there are so many amazing actors involved here: Lou Taylor Pucci (Spring), Glenn Close (Fatal Attraction), Rory Culkin (Electrick Children), Ralph Fiennes (Bernard and Doris), Carrie-Anne Moss and Justin Chatwin. This film is intense, unapologetic, brutally honest and deeply moving. The Chumscrubber is like an open wound that hurts, and perhaps that’s why most people won’t feel comfortable watching it, but it’s still remarkable. I recommend it.

Benjamin Kemper writes and directs Pop! (2018), a dramatic short film about Harrison Redeker, a 13-year-old boy who is trying to accept his true sexuality while being constantly bullied. Pop! depicts the hardships of everyday life, while highlighting the true value of friendship. However, despite the fact the protagonist has one good friend, that is not enough defense against the school bully or even his aggressive alcoholic father. Driven to the edge, the kid will start thinking about using a gun. The final sequence is shocking and tragic.

Un instante (2017), by Spanish director Adrià Guxens, is an inspiring and deeply insightful short film about sexual exploration and the limits of friendship. Adrià Sánchez-Campo is a college student who is trapped in his daily routine, there seems to be nothing exciting in his life till he meets Marc Joy, an enigmatic and attractive young man. They become friends. And the protagonist’s life is no longer boring but he is still afraid of expressing his true feelings. A lot can happen in a year, and nothing can happen in a year. After 4 seasons, the friend decides to move to a different city, and the student realizes how empty his life will become. Subtle, heartfelt, honest and truly touching, Un instante is an extraordinary production that deserves our attention.
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En noviembre, en lugar de Thanksgiving, disfruté de un divertido Friendsgiving con amigos de Europa y otros países. Y este mes también pude ir a Regal Cinema para ver Joker (2019) de Todd Phillips, una inquietante historia sobre el origen del villano más grande de Batman. Debo decir que Joker superó todas mis expectativas. No sólo es un thriller psicológico complejo y lleno de suspenso, sino también una interpretación muy humana y original del Arlequín del Crimen. Joaquin Phoenix (Irrational Man) se transforma completamente en su papel como el futuro Joker, mostrándonos un lado vulnerable que no sabíamos que existía en un villano tan icónico. El protagonista es un marginado, un individuo que lucha por ganarse la vida en una Gotham City sombría y miserable. Como no se basa en ningún cómic específico (aunque hay algunas referencias sueltas a historias clásicas como The Killing Joke de Alan Moore), todo lo que sucede aquí es inesperado. La principal fortaleza de la película no son los efectos especiales o forzados giros argumentales, todo lo que importa está dentro de la cabeza del protagonista, y gracias a la extraordinaria actuación de Phoenix, estamos al tanto del funcionamiento interno de la mente de un psicópata. El elenco de estrellas incluye a Robert De Niro (Grudge Match), Frances Conroy, Zazie Beetz. Definitivamente una de las mejores películas del 2019.

The Chumscrubber (2005) de Arie Posin es una película fascinante sobre la pérdida, el duelo y la difícil interacción entre adultos y adolescentes. La historia comienza en un adinerado suburbio de Los Ángeles, donde los adultos están obsesionados con la ambición y el éxito; sus sonrisas falsas y sus casas impecables proyectan una imagen de una vida perfecta, pero todo es mentira. Jamie Bell (Billy Elliot) es un adolescente que visita a su mejor amigo y lo encuentra muerto, se ha suicidado, pero ni siquiera su madre se ha dado cuenta de eso, ocupada con sus invitados en una fabulosa fiesta. Incapaz de hacer frente a la pérdida, el protagonista se vuelve adicto a las píldoras mientras sus padres lo descuidan. Esto parece ser un hecho común, ya que todos los adolescentes en esta historia son abandonados o ignorados por sus padres, hasta el punto de que es bastante doloroso para el espectador aceptar que toda esta soledad tendrá graves repercusiones. Los adultos distraídos siempre son egoístas, mientras que los adolescentes confundidos siempre están enojados o incómodos en su propia piel, y sí, harán locuras para sobrevivir. El talentoso cineasta crea escenas únicas e inolvidables, con momentos y situaciones poderosas que pueden hacerte reír a carcajadas o llorar. Además de un guión cautivador, hay muchos actores increíbles involucrados aquí: Lou Taylor Pucci  (Spring), Glenn Close (Fatal Attraction), Rory Culkin (Electrick Children), Ralph Fiennes (Bernard and Doris), Carrie-Anne Moss y Justin Chatwin. Esta película es intensa, sin excusas, brutalmente honesta y conmovedora. The Chumscrubber es como una herida abierta que duele, y quizás es por eso que la mayoría de la gente no se sentirá cómoda viéndola, pero aún así es notable. La recomiendo.

Benjamin Kemper escribe y dirige Pop! (2018), un cortometraje dramático sobre Harrison Redeker, un chaval de 13 años que está tratando de aceptar su verdadera sexualidad mientras está siendo acosado constantemente. Pop! representa las dificultades de la vida cotidiana, al tiempo que destaca el verdadero valor de la amistad. Sin embargo, a pesar de que el protagonista tiene un buen amigo, eso no es suficiente defensa contra el matón de la escuela o incluso su agresivo padre alcohólico. Empujado hasta el borde, el chico comenzará a pensar en usar un arma. La secuencia final es impactante y trágica.

Un instante (2017), del director español Adrià Guxens, es un cortometraje inspirador y profundamente reflexivo sobre la exploración sexual y los límites de la amistad. Adrià Sánchez-Campo es un estudiante universitario que está atrapado en su rutina diaria, parece que no hay nada emocionante en su vida hasta que conoce a Marc Joy, un joven enigmático y atractivo. Se hacen amigos. Y la vida del protagonista ya no es aburrida, pero aún tiene miedo de expresar sus verdaderos sentimientos. Pueden pasar muchas cosas en un año, y nada puede pasar en un año. Después de las 4 estaciones, el amigo decide mudarse a una ciudad diferente, y el estudiante se da cuenta de cuán vacía se volverá su vida. Sutil, sincera, honesta y verdaderamente conmovedora, Un instante es una producción extraordinaria que merece nuestra atención.